VINCENZO CORCELLI

Artist Vincenzo Corcelli-the riddle of the painting

2011-06-09T10:26:00.001-07:00

“ Ti invito non a guardare, ma ad entrare nel dipinto dove la pittura si dissolve ma non muore. La pittura col suo pericoloso fascino mette in gioco l’interno di ognuno di noi.” Vincenzo Corcelli

Pigmento. Vincenzo Corcelli. Interior atmospheres

2011-05-20T06:17:00.000-07:00

Pigmento.Vincenzo Corcelli.Old master inspired

2011-04-11T11:43:00.000-07:00

Pigmento Vincenzo Corcelli artist. Olio su tela .100x70 cm

Vincenzo Corcelli "floating portraits"

2011-04-11T11:21:00.000-07:00

Vincenzo Corcelli "Floating Portraits 8"

Vincenzo Corcelli "Floating Portraits 7"

Vincenzo Corcelli " Floating Portraits 6"

Vincenzo Corcelli "Floating portraits 5"

Vincenzo Corcelli "Floating portrait 4"

Vincenzo Corcelli "Floating Portrait 3"

Vincenzo Corcelli "Floating portrait 2"

Vincenzo Corcelli "Floating portrait 1"

Vincenzo Corcelli."Floating portraits series" carboncino su carta

2011-03-21T12:16:00.000-07:00

Vincenzo Corcelli. ( Patent filed in technical personnel)

The ghost of painting, I appear, I am there, ll be there.Vincenzo Corcelli

2011-03-13T05:28:00.000-07:00

The ghost of painting, I appear, I am there, ll be there.Vincenzo Corcelli. (85x65 .Patent filed in technical personnel)

Man in Download

2011-03-13T05:00:00.000-07:00

Painting in Download.Il risveglio della pittura. atto 2°(part).Olio su tela

Painting in Download.Il risveglio della pittura. atto 2°(190x40cm) .Olio su tela

IL DIPINTO.La Pittura e la Poesia.

2010-06-28T06:28:00.001-07:00

Dipinto ad olio su tela (150x 100 cm) realizzato dall'artista VINCENZO CORCELLI nello studio d'arte PIGMENTO.

Il dipinto è li, immobile,
immutato nel tempo

eppur testimone di esso.
Dalla sua rigida staticità

emergono emozioni vibranti

di attimi di vita imprigionati.

Un rosso raggio di sole

che filtra attraverso

l'unica,innocua nuvola bianca

di un cielo azzurro d'estate.

I mille colori di fiori,

belli quasi da assaporarne

il profumo inebriante.

Un mare blu intenso

accarezzato da una dolce brezza

che sospinge una vela.

In un campo un contadino

stancamente appoggiato

ad un attrezzo,

scruta l'orizzonte

aspettando inutilmente la pioggia.

Il dipinto è sempre li, immobile,

ma la mia fantasia

tumultuosamente allegra si anima.

Gerardo Giuseppe Strippoli

(Poesia tratta dalla raccolta "Titte Titte" del poeta coratino Gerardo Giuseppe Strippoli.)

LA VITA E' BREVE PER TUTTI E IL PROBLEMA STA NEL FARNE QUALCOSA DI VALORE...

2010-03-25T07:31:00.000-07:00

2010-03-25T07:16:00.000-07:00

LA VITA....UNA DISCESA INFINITA.

2010-03-25T06:54:00.000-07:00

VINCENZO CORCELLI: L' IPERREALISMO

2010-03-25T00:36:00.000-07:00

DIPINTO A OLIO REALIZZATO DALL' ARTISTA VINCENZO CORCELLI PER LO "STUDIO BLU INFORTUNISTICA STRADALE A RUVO DI PUGLIA (BA).
Il fotorealismo o iperrealismo è un genere di pittura basato sulla riproduzione di un soggetto fotografico. Il termine è principalmente applicato ai dipinti realizzati negli Stati Uniti alla fine del 1960, inizi 1970.
Chiamato anche realismo radicale, l'iperrealismo rappresenta la realtà partendo da un’immagine fotografica , ingrandita il più possibile, e riportandola come disegno, cercando di essere più fedeli della normale percezione, se possibile.
Il movimento nasce negli anni settanta , e si diffonde in Europa nel decennio successivo. Di fatto è derivato della pop art e si è contraddistinto per la maniacalità dei dettagli, sotto tutti gli aspetti esagerata.
La straordinaria fedeltà nei confronti della realtà è stata abbracciata soprattutto dall'ambito pittorico. (Da Wikipedia, l'enciclopedia libera)

VINCENZO CORCELLI: LA PITTURA NEL RITRATTO.

2010-03-25T00:22:00.000-07:00

La differenza tra la fotografia e la pittura è determinata dal fatto che il significato della fotografia e il significato della pittura sono intimamente difformi. La fotografia rappresenta la qualcosa che è già passato e la pittura rappresenta la vita. Quando la fotografia rappresenta chi si mette in posa, quest’ultimo stabilisce quale faccia avere, quale sorriso o serietà mostrare e quindi diventa, di fronte alla fotografia, inevitabilmente condizionato nell’espressione perché ci si atteggia ad una parte che ognuno di noi assume per se rinunciando alla spontaneità. La fotografia in posa presuppone che noi sappiamo di essere fotografati e tentiamo di decidere che faccia avere e che atteggiamento assumere. C’è finzione anche in chi si atteggia in un certo modo, assume un’ espressione e vuole essere visto con il volto che egli ha stabilito, per questo gran parte della fotografia è morta proprio nella volontà di rappresentare in modo statico, definitivo un ‘immagine. La fotografia ripete un’ esperienza già fatta, in sostanza riproduce la morte. La poesia di una cosa può essere preservata dalla PITTURA e difficilmente da una fotografia. La fotografia serve a fermare nel tempo qualche cosa che noi non sappiamo ma che rapidamente sapremo che è stata distrutta, cancellata, passata. La fotografia ferma, conserva e contemporaneamente lascia un attestato di vita ormai passata. La fotografia ha questa condizione insolita di far prevalere il documento sull’immagine, magari per vedere una persona quando era più giovane. Ti resterà una fotografia di oggi e fra trent’anni vedrai cosa è cambiato di noi, molti saranno più o meno turbati per una progressiva sfiducia verso il tempo di cui la fotografia è il principale nemico. La fotografia ha paura del tempo e lo esorcizza. Quando vediamo un album di famiglia vediamo una madre giovane, un padre giovane, un bambino che siamo noi, in sostanza c’è una natura crepuscolare della fotografia che documenta solo il mondo com’era alla moda. La PITTURA rappresenta la vita. Vedere una fotografia di una persona di cinquant’anni fa ti dà la sensazione di vedere da una parte qualcosa che, ferma nel tempo, documenta gli abiti e ambienti. Vedere un dipinto di Vermeer, di una persona dipinta cinquecento anni fa ,crea invece una dimensione che non tramonta mai. Ciò che è più singolare nella pittura è che la pittura rappresenta la vita, e non hai mai la sensazione che quella vita rappresentata sia finita .Guardando la fotografia di una persona defunta hai la sensazione che quella persona non c’è più. Se della stessa persona ne vediamo il dipinto sentiamo che da questa immagine traspare vitalità. Allora capita qualcosa…la pittura è espressione di vita, la fotografia è espressione di qualche cosa che rimane ferma e non potrà mutare, quindi nella immutabilità c’è la morte. Nella capacità che c’è di rigenerarsi di un quadro dipinto invece sentiremo sempre una certa contemporaneità anche se il quadro è del quattrocento. La fotografia fissa un tempo altrimenti perduto. Il tempo che noi vediamo rappresentato in un ritratto anche antico non è un tempo passato ma è anche un tempo nostro, per questo la pittura è vita.

VINCENZO CORCELLI:La scultura.La forma comunica.

2010-02-28T03:20:00.000-08:00

"SCOLPIRE IL TEMPO" "2006 Lampada scultura realizzata dall'artista Vincenzo Corcelli

(trave in legno scolpita dai tarli e dipinta e valorizzata dall'artista)

Se l'arte deve entrare in comunione con la natura per esprimere i suoi principi deve anche seguire il suo esempio, la materia deve continuare la sua vita naturale anche quando è modificata dalla mano di uno scultore. Il ruolo plastico che adempie naturalmente dev'essere scoperto e preservato. Dare alla materia un ruolo diverso da quello assegnatole dalla natura significa ucciderla. Il legno ad esempio è già in ogni circostanza scultoreo , non bisogna distruggerlo col dargli una forma che la natura ha fatto con un'altro materiale , il legno ha le sue forme, il suo carattere individuale, la sua naturale espressione e voler trasformare le sue qualità significa annullarle e renderlo sterile. Tutti i materiali devono continuare la loro vita quando da sculture naturali diventano sculture artificiali per il pensiero e il lavoro dell'uomo.

VINCENZO CORCELLI: LA LUCE E IL COLORE NELLA SCULTURA.

2010-02-27T09:02:00.000-08:00

"EUROPA" Scultura materica realizzata dall'artista Vincenzo Corcelli.

Europa è il quarto, per dimensioni, satellite naturale del pianeta Giove , ed uno dei più massicci dell'intero sistema solare . Venne scoperto da Galileo Galilei il 7 gennaio 1610 assieme ad Io , Ganimede e Callisto , da allora comunemente noti con l'appellativo di satelliti galileiani .
Il suo nome deriva da quello di Europa , una delle tante amanti di Zeus secondo la mitologia greca . Lo stesso personaggio ha dato origine anche al nome del continente europeo .
In gran parte della prima letteratura astronomica, ci si riferiva ad Europa ricorrendo semplicemente alla sua designazione numerica romana come Giove II, o come "secondo satellite di Giove".

Nella scultura l'effetto pittorico non è determinato solo dal materiale e dalla tecnica di esecuzione, ma è originato anche dalle specifiche modalità linguistiche usate per rappresenare la tridimensionalità dei corpi. La realtà che ci circonda non è solo caratterizzata dall'aspetto volumetrico e spaziale dei corpi, ma anche dalle loro differenti caratteristiche cromatiche.La percezione del colore nella nostra esperienza , ha un ruolo fondamentale ,non solo sul piano visivo , ma anche su quello emotivo e psicologico.

VINCENZO CORCELLI: L' ARTISTA TRA ARTE E ARTIGIANATO

2010-02-18T03:23:00.000-08:00

Elementi decorativi in fase di realizzazione
nello studio d'arte Pigmento.

La realizzazione di questi elemeti decorativi rappresenta la richiesta di una committenza che ricerca ancora oggi nell'operato di un artista non più l'importanza di un'opera che serva a istruire o innalzare lo spirito, o a dare per forza un concetto ad un'opera d'arte. Qui l'opera d'arte è grande al di là delle intenzioni di chi l'ha concepita, questo tipo di produzione è il prolungamento dell'esistenza di artisti passati che oggi si oggettivano, e quanto più esse sono perfette e compiute tanto più arriva la sensibilità di chi guarda. In queste opere l'unico impegno morale che viene chiesto ad un'artista è che sia capace di rappresentare la forma a un grado cosi' alto che il suo impegno sia nella qualità del fare. La eticità di un buon artigiano è nell'essere bravo, la eticità di un'opera d'arte è nell'essere un esempio di perfezione incommensurabile; qui è importante non l'intenzione dell'artista ma il suo atto. Quanto più l'opera è perfetta, compiuta, di qualità sovrana, tanto più essa è utile, ma non in quanto utile , ma in quanto essa crea una reazione, impone una posizione quasi di religioso rispetto. Di fronte a un capolavoro del passato noi siamo in dubbio su noi stessi, dubitiamo della nostra esistenza, non dell'esistenza dell'opera, la grandezza dell'opera è nel metterci in difficoltà, crearci disagio, è imporci una riflessione fino alla paura e al desiderio di scappare. L'opera d'arte del passato di qualità artigianale crea un profondo imbarazzo, fa sentire la grandezza di chi l'ha concepita rispetto alla debolezza di chi la guarda. Qui è l'elemento etico. L'avvertimento della nostra inferiorità, l'avvertimento della nostra inadeguatezza, la difficoltà di confrontarsi con quella grandezza, oppure il passivo avvertimento, la passiva accettazione di quella grandezza. In questo è la moralità di un'opera d'arte, non in altro. La moralità di un'opera d'arte è nell'impegno, nella tensione spirituale estetica che diventa di suo fatto tensione morale. Le opere d'arte del passato sono esemplari in quanto compiute con una perfezione inattingibile, e sono di un sublime artigianato, infatti noi rispettiamo un bravo artigiano. La moralità di un artista oggi è nel fare? La moralità è nell'aver prodotto un opera di qualità? Quanti studiano ancora veramente il passato per un' arte futura più pura? L'arte di oggi non fa altro che cercare scalpore, oppure, cerca di contraddirsi e mettersi sempre in discussione: con un carattere artistico del genere si arriva solo alla volgarità. Il gioco di assemblare correnti e stili di artisti in voga, il gioco di nascondersi dietro l'astratto e le forme semplici, il gioco dello scalpore e di farsi un nome prima di tutto sembra un'ottima scusa per far parlare di sè... chi osserva un opera oggi , cerca delle risposte, ma l'arte cosa fà invece? Pone delle domande. Molta gente guarda con disprezzo la tristezza, la sfugge, guarda rimbambita dei quadri frutto di un minestrone di tecniche e sperimentazioni già fatte da artisti in voga... e poi chi decide cos'è arte? Non è solo giro di danaro anche per i non addetti al mestiere?

LA FOTOGRAFIA: Da strumento di documentazione a forma d'arte.

2010-02-12T02:50:00.000-08:00

Questi ritratti fotografici fatti da un pittore (con scarsa conoscenza in tecnica fotografica) nascono solo come modelli per il suo lavoro e sono un esempio dello stile pittorico dell'inizio del secolo, quando la tecnica fotografica imitava le arti tradizionali secondo il gusto un po' lezioso ed estetizzante che in quegli anni, caratterizzava la fotografia inglese e francese.

La fotografia, relativamente alla funzione informativa, ha avuto in questo secolo uno sviluppo sempre più specialistico, determinato dalla continua domanda, da parte della società e della scienza, di prestazioni sempre più sofisticate e tecnicamente perfette.L' attività dei fotografi si è integrata quindi sempre in modo più stretto con il tessuto sociale dando origine a una divulgazione delle informazioni vasta e capillare. Fin dagli inizi del noveceto la fotografia incominciò a essere considerata anche un fenomeno estetico. I fotografi iniziarono a interessarsi agli aspetti formali delle loro immagini, considerando il contenuto un pretesto per sviluppare la loro ricerca sulle possibilità espressive del nuovo linguaggio.Si apri' una polemica tra coloro che sostenevano che la fotografia fosse una forma d'arte e coloro che la ritenevano esclusivamente uno strumento di documentazione reale. Ben presto la fotografia smise di essere giudicata esclusivamente una tecnica. Il rapido progresso estetico della produzione inaugurò un nuovo modo di guardare e interpretarele immagini, e la fotografia fu finalmente considerata un vero e proprio linguaggio, con proprie regole e propri codici specifici.

Il pittore e la modella tra mito e leggenda.

2010-02-12T02:38:00.000-08:00

Mogli, madri, compagne, figlie, sorelle o amanti, le immagini della donna hanno indiscutibilmente contribuito al processo creativo. Quello del pittore e la modella è un tema lanciato dalla pittura romantica sulla scorta del mito di Raffaello e la Fornarina ed ha avuto poi una fortuna ininterrotta fino alla fine del Novecento, in coincidenza con l’affermarsi del nuovo ruolo della donna come artista. Il rapporto tra la donna e l’arte, donna musa e ispiratrice, mito e leggenda, è diventato realtà nel corso dell’Ottocento e Novecento, addirittura consuetudine, per trasformarsi nuovamente in una mitologia quotidiana. Le muse nella pittura però non sono sempre state legate da rapporto affettivo con l’artista o da un legame familiare: come non ricordare allora le sensuali odalische di Ingres o le fanciulle polinesiane di Gauguin, modelle improvvisate, che inconsapevolmente incarnano una femminilità ideale. Il repertorio di questo soggetto è vastissimo e va dai ritratti su commissione di aristocratiche nobildonne, ai paesaggi con figura, acquisendo quasi l’importanza di un genere assestante, una sorta di tema trasversale che ha ispirato sempre, trovando nuovi spunti e differenti espressioni di stile in stile.

Carnevale Coratino, la XXXI edizione .Vincenzo Corcelli e la realizzazione del "Palio di Carnevale"

2010-02-10T11:25:00.000-08:00

La novità della XXXI edizione del Carnevale Coratino è il "Palio di Carnevale", un simbolo che che il vincitore potrà detenere da quest'anno sino all'edizione successiva. Ispirandomi agli antichi codici e stemmari medioevali , ho reinterpretato la bellezza formale e l'eleganza grafica dell'araldica di origine gotica e rinascimentale. Al centro del palio ho dipinto tre maschere che si fondono in un unico simbolo che richiama le tre maschere coratine (Panzon, Vecchiaridd e u Sceriff). La festività di Carnevale è molto famosa a Corato e spero che, con la nascita di questo nuovo simbolo, questa festa cresca e diventi appuntamento culturale importante e sentito da parte di tutta la calorosa gente della città di Corato.

Vincenzo Corcelli

VINCENZO CORCELLI E LE COLLABORAZIONI CON L' ARTISTA LUIGI QUINTO. LA STREPITOSA ESPERIENZA DELLE GIGANTOSCULTURE. "PINOCCHIO"

2010-02-04T10:30:00.000-08:00

"Guardare con gli occhi dell'anima e... scoprire che tutto è interessante, tutto può diventare bello."

VINCENZO CORCELLI: IL RITRATTO

2010-01-11T09:49:00.000-08:00

“..Una pittura commuoverà l’anima dello spettatore quando la donna lì ritratta mostrerà i movimenti della propria anima”.

"Portrait of Laura"- Olio su tela - 40 x 60 cm.

Ritratto di Laura Leo dipinto da Vincenzo Corcelli, foto Sarah Vernice.

Nei ricordi o nel presente, negli occhi degli altri e nella nostra persona, nella gioia o nel dolore, un ritratto significa affermare con eleganza e dignità, con forza e determinazione una verità ineluttabile e incontestabile: "io sono stato qui ". Un ritratto è fermare per sempre se stessi.

Significa, per la durata stessa dei materiali impiegati (che come abbiamo visto possono anche sfidare i millenni) che nel futuro, nel corso del tempo, il messaggio di chi eravamo arriverà a tutti coloro che saranno così fortunati da poterlo leggere. Essere ritratti, volere fortemente un ritratto, è pensare agli altri, ai propri cari, ai propri figli, e, ultimi ma non ultimi, a se stessi. E’ farsi un regalo. E’ darsi un premio in questa vita per tutte le volte che si ha il coraggio di andare avanti. E’ fermare la gioventù, apprezzare la vecchiaia e la saggezza. E’ dire di esserci stati nell’impresa di questa vita. Il ritratto ferma il tempo, ferma l’anima e la prega di aspettare il tempo di scambiare due parole. Chiedete a chi ha un ritratto: non ci si fa mai l’abitudine, non diventerà mai un soprammobile.

“Non c’è nessun panorama che si conosca bene quanto il viso umano. E’ il centro della nostra vita emotiva. Dalla nascita alla morte, il viso ci unisce agli amici, alla famiglia, a chiunque sia importante per noi. Poche cose sono in grado di commuoverci tanto profondamente quanto il viso della persona amata”. Con un ritratto si può dare una carezza alla persona amata .

La persona che si fa ritrarre oggi, gode dello stesso piacere provato da chi si è messo in posa in passato. Cercate di mettervi al loro posto e di sentire il loro stato d’animo mentre il pittore li ritraeva e loro si sentivano importanti. Quando siete in un museo, davanti a grandi capolavori, guardate in faccia le persone raffigurate nei ritratti e cercate di convincervi, razionalmente, che appartengono al passato ma il loro sguardo ci trasmetterà che si rifiutano di appartenere al passato perché la pittura è vita!

Vincenzo Corcelli

VINCENZO CORCELLI E LE COLLABORAZIONI IN SCULTURA CON L' ARTISTA LUIGI QUINTO. L' ESPERIENZA DELL' ARTE DEL TOGLIERE.

2010-01-09T03:08:00.000-08:00

Vincenzo Corcelli con l'Artista Luigi Quinto

LE SCULTURE LIGNEE IN GRANDI DIMENSIONI REALIZZATE DALLO SCULTORE LUIGI QUINTO IN COLLABORAZIONE CON L 'ARTISTA VINCENZO CORCELLI

Portale in legno Chiesa San Gerardo,
Corato, Puglia (h 3,20 x l 3 metri)

"CristoGlorioso" Chiesa di Montegrosso,
Andria, Puglia (h 2,50 metri)

Particolare del " Cristo Carità ", scultura lignea,
Chiesa di San Paolo, Andria, Puglia

" Cristo Carità ", scultura in legno di mogano (h 3,20 m.)

Chiesa di S. Paolo, Andria

(il Cristo Carità è in corsa per essere introdotto nel "Guinness dei primati" per le sue notevoli dimensioni).

"Far coabitare la manualità con i pensieri". La collaborazione con l'artista Luigi Quinto per la realizzazione di queste grandi sculture è stata per me fondamentale per comprendere l' esigenza del fare arte: dare contenuto alla forma; creare forme capaci di veicolare significati, opere che diventano portatrici di valori. Nella città di Corato ci sono ancora grandi mani che impugnano lo scalpello e il martello per dar forma dopo un duro lavoro a grandi sculture. Uno di questi pochi artisti che svolge questo lavoro è lo scultore Luigi Quinto scultore pugliese che al '65 al '67 ha operato presso industrie del legno e laboratori artigianali e dal 1969 ad oggi insegna presso l'Istituto Statale d'Arte di Corato. Nel 1970 ha realizzato il "Cristo agonizzante", importante scultura lignea ubicata nella Chiesa Sacra Famiglia di Corato. Dal 1980 al 1992 ha maturato esperienze nella lavorazione della cartapesta presso laboratori di Viareggio e di scultura in marmo sotto la guida del maestro Silverio di Pietrasanta .

Vincenzo Corcelli

I RESTAURI ESEGUITI DA VINCENZO CORCELLI DELLE SCULTURLE POLICROME NELLA CITTA' DI CORATO (BA)

2009-12-21T05:13:00.000-08:00

"SANTA LUCIA" Chiesa Matrice.
Scultura in cartapesta policroma.
Opera prima e dopo il restauro.

2009-12-21T05:08:00.000-08:00

"NATIVITÀ" Chiesa Matrice.
Gruppo statuario in cartapesta policromo.
Opera prima e dopo il restauro.

2009-12-21T05:04:00.000-08:00

"MADONNA IMMACOLATA" Chiesa S. Domenico.
Scultura in cartapesta policroma.
Opera prima e dopo il restauro.

2009-12-21T04:19:00.000-08:00

"SACRO CUORE" Chiesa Sacro Cuore di Gesù.
Opera in Cartapesta policroma.
Opera prima e dopo il restauro.

2009-12-21T04:08:00.000-08:00

"SAN DOMENICO" Chiesa S. Domenico.
Simulacro Vestito.
Opera prima e dopo il restauro.

2009-12-21T04:02:00.000-08:00

"CROCIFISSO" Situato nel Centro Religioso Culturale "VIVERE IN".

Opera in cartapesta policroma. Prima e dopo il restauro.

2009-12-21T03:55:00.000-08:00

"GESU' BAMBINO" Chiesa Matrice.
Scultura lignea policroma.
Opera prima e dopo il restauro.

2009-12-21T03:51:00.000-08:00

"CRISTO RISORTO" Chiesa Matrice.
Prima e dopo il restauro.

2009-12-21T03:29:00.000-08:00

"MADONNA ADDOLORATA" della CHIESA INCORONATA.
Prima e dopo il restauro.

"Non potendo anche ignorare il forte legame con il territorio in cui operoche è la città di Corato, che ha fatto delle statue in cartapesta e lignee il proprio emblema, mi sono da tempo interessato al recupero di quelle opere antiche che nel tempo erano state oggetto di estesi rifacimenti, una prassi artigianale che ha interessato gran parte delle cartapeste più antiche, alterandone fortemente l’aspetto .

Fronteggiando le problematiche del restauro di sculture in diversi materiali, legno, terracotta e cartapesta, materiali moderni, con o senza policromia originale, ritocchi e ripristini con ridipinture, il mio lavoro si basa sull’identificazione dei fenomeni di alterazione, sui metodi e materiali idonei a fronteggiarli, sulla presentazione estetica delle opere per potenziare la leggibilità dell’originale.

I restauri su questi manufatti artistici realizzati nei diversi materiali ,sono stati effettuati con l’uso di consolidanti, protettivi, solventi per la pulitura, stucchi e coloranti per reintegrazioni e ritocchi pittorici reversibili ,appropiati e specifici consigliati dal frutto di anni di esperienza e studi approfonditi sulle ultime innovazioni nel campo del restauro.

E 'stata prodotta e consegata alle parrocchie dela città di Corato una la documentazione necessaria alla rappresentazione puntuale del degrado riscontrato e dell’intervento svolto nei diversi casi pratici.

Affrontando lo studio del restauro nel mio laboratorio di ricerca,l’intervento conservativo è stato anche un momento conoscitivo ineludibile per la ricerca storica. Il restauro è un’ importante opportunità di conoscenza dell’opera, in quanto è solo in questo contesto che diventa possibile rilevare dati fondamentali, che ci consentono di interviene in modo corretto ed innovativo su un’opera mettendo a punto strategie metodologiche come la rimozione dei rifacimenti che mi ha consentito di riportare le opere della nostra città al loro facies originale."

Vincenzo Corcelli

IL RESTAURO DEI DIPINTI -VINCENZO CORCELLI-

2009-12-21T03:14:00.000-08:00

2009-12-21T03:04:00.000-08:00

2009-12-21T02:01:00.000-08:00

DIPINTI ANTICHI E MODERNI RESTAURATI DALL'ARTISTA RESTAURATORE VINCENZO CORCELLI NELLO STUDIO D'ARTE PIGMENTO.

Tutte le opere degli antichi maestri del passato e quasi sicuramente alcune opere di maestri pittori moderni sono state manipolate almeno una volta. Ciò significa che il restauratore si trova ad affrontare solo raramente un'opera "intonsa" nell'ambito del proprio lavoro. Deve perciò tener conto che nell'opera che si appresta a restaurare si sono stratificati materiali noti e ignoti. Non esiste quindi uno strato di un dipinto a riguardo che possiamo considerarci completamente soddisfatti della nostra conoscenza attuale, della sua struttura materiale , e del suo deterioramento nel tempo.Nel centro d'arte e restauro PIGMENTO la maggior parte della ricerca che si fa oggi sui materiali dei dipinti si concentra sulle loro proprietà, in modo da aumentare la nostra comprensione delle conseguenze dei trattamenti conservativi-sia immediata che a lungo termine-e gli effetti di pecedenti trattamenti. La nostra ricerca è concentrata sulla scelta di materiali controllabili e appropiati per la pulitura di superfici dipinte e non .é un distillato di tanti anni di esperienza nella formulzione dei trattamenti di pulitura per oggetti specifici.

IL RITRATTO DAL VERO....

2009-12-19T04:01:00.001-08:00

...Preferisco ritrarre dal vero quando mi è possibile... Il ritratto eseguito dal vero ha l’intento di far emergere l’immagine più intima della persona. Non bisogna limitarsi a cercare di rappresentare la somiglianza dei tratti fisici, ma è importante cogliere l’anima della persona ritratta esprimendo i tratti della sua personalità. Questo è una delle tante qualità che distingue un ritratto artistico da una semplice fotografia...

VINCENZO CORCELLI E LA SUA ARTE: NEL NON STILE....LO STILE

2009-12-19T02:32:00.000-08:00

Vincenzo Corcelli in alcune sue performance....

......Il passaggio dalla pittura analitica a quella di sintesi e viceversa rappresenta la sperimentazione che ha sempre caratterizzato questo artista . Il pittore appare interessato sia alla semplificazione della forma ma anche a una profonda osservazione fatta di un "realismo radicale", per giungere a un segno puro che contiene in sé la struttura della cosa e la sua riconoscibilità concettuale......

I DISEGNI DI VINCENZO CORCELLI IDEATI PER LA XLI MOSTRA D'ARTE IL "PENDIO" A CORATO(BA).

2009-12-19T02:01:00.000-08:00

"Michelangelo, Diego Velàsquez, Norman Rockwell, Lucio Fontana, Jackson Pollok: cinque grandissimi artisti che, nel corso dei secoli, hanno dato una svolta decisiva al modo di fare pittura.I disegni ideati per la XLI edizione del Pendio e distribuiti a tutti gli artisti partecipanti sono un tributo a tali Maestri dell'Arte.

"Ho cercato di rappresentare la diversa posizione tipicamente assunta da questi pittori nel momento della loro massima ispirazione,semplificandone la forma, con l'eliminazione del superfluo che la ricopre,per coglierne esclusivamente l'essenza.Quando si guarda un oggetto in movimento non ci si sofferma sui dettagli ma si pensa unicamente alla sua velocità e ai guizzi che crea attorno a sè nell'istante stesso in cui si muove.Se avessi realizzato occhi bocche mani e ogni altro piccolo particolare avrei arrestato il gesto unico di questi artisti, mostrando solo un modello di realtà passata a causa del tempo che tutto travolge e tutto trasforma.Io invece ho voluto raffigurare illampo del loro spirito nell'atto creativo reso eterno dalla bellezza infinita dell'Arte,unica via per dare vero valore immortale all' esistenza."

Vincenzo Corcelli

Tecniche di riproduzione

2009-12-14T11:55:00.000-08:00

Riproduzione di un dipinto dell'artista spagnolo catalano PERE BORREL DEL CASO realizzato nello studio d'arte "PIGMENTO".

Se è vero che il prodotto artistico, come atto creativo è unico e irripetibile, ciò vuol dire che non sia riproducibile.In tutti i tempi per scopi diversi, gli oggetti artistici sono stati copiati. Ancora oggi, percorrendo le sale di un museo, non è raro imbattersi in qualcuno intento a copiare un quadro. Chi pratica tale attività di solito,lo fa al puro scopo di migliorare le proprie capacità attraverso lo studio e la sperimentazione diretta del lavoro di un grande maestro. C'è anche un tipo di copia che ha scopi meno leciti, come quando si realizzano dei falsi da rivendere come autentici. Qui oltre all'abilità manuale è richiesta da parte dell'artista una conoscenza dei materiali che compongono un'opera antica e trucchi e segreti di antiche mestiche che nella pratica pittorica venivano utilizzate per la preparazone dei dipinti.

La professione dell'artista

2009-11-27T08:54:00.000-08:00

Questa immagine illustra il luogo in cui si svolge il lavoro dell'artista, mostrando come l'opera d'arte nasce sempre da un lavoro di ricerca, di confronto e di studio che difficilmente può essere identificato con la mitica ispirazione. In ogni periodo storico l'artista sviluppa la propria creatività e le proprie abilità tecniche e operative costruendosi un proprio intinerario professionale, che non è generalizzabile, perchè ogni volta è determinato da scelte soggettive operate all'interno di situazioni che mutano continuamente.Quando si parla di contesto dell'opera d'arte, di stile, di iconografia, di funzione dell'arte, in realtà ci si riferisce a un preciso segmento di storia, in cui un individuo interpreta,in modo soggettivo e originale, i valori, le problematiche e gli stimoli del proprio ambiente e della propria epoca.

IL LINGUAGGIO DELLA PITTURA:L'AFFRESCO

2009-10-03T23:45:00.000-07:00

Riproduzione fedelissima di un affresco situato nella cripta della cattedrale di Trani realizzato nello studio d'arte Pigmento da Vincenzo Corcelli. L'affresco è trasportabile per poter essere inserito in qualsiasi complesso architettonico o arredo e la tecnica di realizzazione ha incluso anche l'utilizzo di tecniche di invecchiamento e simulazioni di degrado dei materiali per avvicinarsi il più possibile all'originale.

L'affresco è un tipo dsi pittura murale in uso fin dall'antichità, caratterizzata da particolari tecniche di esecuzione intese a preservare la durata e la stabilità dei colori nel tempo.Fondamentale è la preparazione del supporto. Le grandi decorazioni pompeiane sono giunte fino a noi grazie all'accurata preparazione del fondo, ottenuto mediante la sovrapposizione di più strati di intonaco l'ultimo dei quali contenente polvere di marmo. Nell'esecuzione dell'affresco è necessario, prima della stesura pittorica , preparare il muro con uno spesso strato di colore e sabbia ,detto "rinzaffo".sul rinzaffo si stende un secondo strato di intonaco che per la sua superficie scabrosa è detto "arriccio". Sull'arriccio viene eseguita la "sinopia" ,cioè il disegno preparatorio che prende il nome da Sinope,una località dell'Asia Minore da cui proveniva l'ocra rossa usata allo scopo. La sinopia può essere realizzata anche facendo nelle dimensioni previste un disegno preparatorio su cartone. Il disegno può essere trasferito sull'intonaco a "spolvero", cioè facendo passare della polvere di carbone attraverso piccoli foripraticati lungo le linee del disegno eseguito su cartone.Si stende, quindi, uno strato leggero di intonaco chiaro detto "scialbo", che lascia trasparire la sinopia.Sulla malta finissima , ancora umida si esegue la stesura rapida della pittura, in modo che i colori si possano infiltrare nell'intonaco e indurire con esso. Dalla esigenza dui dipingere sullo scialbo ancora umidotrae nome questa tecnica di pittura eseguita "a fresco".la stessa esigenza impone che l'esecuzione proceda a giornata,un pezzo per volta;i limiti dei giorni lavorativi sono spesso chiaramente evidenti sull'affresco finito.

IL MITO DELL' ARTISTA

2009-08-05T03:36:00.001-07:00

VINCENZO CORCELLI nello studio Art PIGMENTO durante le fasi della realizzazione del dipinto "PORTRAIT OF LAURA".

Tra gli steriotipi che condizionano una corretta fruizione dell'opera d'arte c'è anche quello relativo alla figura dell'artista che tradizionalmente, attraverso l'aneddotica popolare ed un certo biografismo, è stata avvolta in un'alone di leggenda. Si tratta di uno dei tanti luoghi comuni che tendono a mitizzare l'artista, a presentarlo come un essere strano e diverso, geniale e sregolato. Può darsi che all'origine di ciò sia da porre quell' attegiamento contraddittorio di ammirazione e di invidia che gli uomini, fin dai tempi più antichi, hanno manifestato nei confronti di chi sapeva creare le immagini. Questa dote per essere accettata, non poteva dipendere solo dalla capacità del singolo individuo, ma doveva essere elargita dall'alto, da forze superiori come il Fato, le Muse, Dio, che nella loro imperscrutabile volontà sceglievano i privilegiati. La scoperta del talento del giovane artista ci è stata tramandata dal Vasari che narra racconti di fatti su artisti anche non realmente accaduti ma più fiabeschi; su artisti di umili origini prediletti dal destino. Tutto questo dava una risposta alle inconsce aspettative di un pubblico desideroso di identificarsi in un personaggio di successo, in origine umile e prediletto. In questa immagine attuale dell'artista al lavoro, osservando il suo volto, la prima sensazione è quella di trovarci di fronte ad un individuo da cui non traspare nulla di leggendario. Anche se non si sa molto di un artista però ci basta osservarne i lineamenti , l 'espressione , lo stile della pennellata di ciò che sta realizzando per azzardare solo una prima e vaga interpretazione della sua personalità che non sarà mai del tutto veritiera per come è descritta da uno storico dell'arte.

MUTAZIONI VIRTUALI (SESTO POTERE) -la dimensione della pittura, l'unica capace di mostrare la verità!

2009-07-15T04:23:00.000-07:00

VINCENZO CORCELLI

"MUTAZIONI VIRTUALI (SESTO POTERE)

OLIO SU TELA 100x200 cm.

OPERA IN CONCORSO AL PREMIO CELESTE 2009.
Visita il sito Premio Celeste.it

2009-07-15T04:18:00.000-07:00

MUTAZIONI VIRTUALI (SESTO POTERE)- particolari 2

2009-07-15T03:56:00.000-07:00

MUTAZIONI VIRTUALI (SESTO POTERE)- particolari

2009-07-15T03:32:00.000-07:00

MUTAZIONI VIRTUALI (SESTO POTERE)

2009-07-14T23:33:00.000-07:00

VINCENZO CORCELLI

MUTAZIONI VIRTUALI ( SESTO POTERE )

Olio su tela; 100 x 200 x 6cm; 2009

Osservando la nostra società è facile intuire le diverse dimensioni nelle quali l’uomo, oggi, vive:

1) La dimensione reale che, dall’alba dei tempi, ci accompagna nella sua complessità e nella quale ogni giorno ci svegliamo, cogliendola con ogni nostro senso. È la realtà costellata di falsità, inganni, soprusi, incomprensioni ed effimero.
2) La dimensione virtuale, dello schermo, di gran lunga più giovane della prima ma che, a passi lenti, si è addentrata in ogni individuo (o quasi). È il virtuale, più interessante e vantaggioso, nel quale si può “esistere” senza troppe preoccupazioni.
3) La dimensione pittorica, l’unica capace di mostrare la bellezza eterna ed illimitata del mondo. Qui eleganza ed armonia danzano maestose, innalzandoci nello scorrere della vita.
Ognuna di queste dimensioni emana una fortissima energia che resta racchiusa nella realtà alla quale di fatto, fisicamente, apparteniamo.
Nella mia opera ho immaginato l’esplosione di tutte queste energie, l’una nella dimensione dell’altra, con la creazione di nuove dimensioni aberranti e dove solo la pittura, che è unica dimensione di verità, avrà l’arduo compito di rappresentarne le conseguenze devastanti.
Tutto ciò che accade nel mondo reale ha inevitabilmente ripercussioni sull’uomo e sulla società.
Mutazioni virtuali: ecco il mio corpo ormai in trasformazione, conseguenza di queste dimensioni in continuo mutamento ed assetate di sopraffazione ma anche testimonianza inequivocabile della resistenza umana. Ecco il volto di un uomo terrorizzato ma, al tempo stesso, reso eterno dalla bellezza infinita dell’ Arte, unica via per dar vero valore all’esistenza.
Una vita dedita alla pittura non è forse una vita alla ricerca della verità?

IL DISEGNO: DALLA FUNZIONE INFORMATIVA ALLA FUNZIONE POETICA.

2009-07-11T06:13:00.000-07:00

DISEGNI MONOCROMO REALIZZATI NEL CENTRO D' ARTE "PIGMENTO". Questo tipo di disegno è da considerarsi un' esercitazione ed un passaggio intermedio per giungere alla realizzazione definitiva di un'opera pittorica. Durante il Rinascimento l'interesse per la scienza condusse anche gli artisti ad approfondire la conoscenza della natura per poterla riprodurre il più fedelmente possibile. Il tratto grafico si trasforma in strumento conoscitivo, utile per indagare la realtà e cogliere tutte le informzioni necessarie per descrivere la struttura e la proporzione degli oggetti reali, attraverso l'analisi sistematica dei particolari. I bozzetti e i disegni preparatori che precedevano le grandi opere d'arte venivano usati dagli artisti per progettare le loro composizioni, cosicchè al disegno era riconosciuta una funzione prevalentemente informativa e di supporto per la pittura.

PORTRAIT

2009-07-11T00:42:00.001-07:00

VINCENZO CORCELLI. RITRATTO SU LAMIERA.

Se si ha personalità bisogna pensare al modo più veloce per sbarazzarsene........la luce si fa sempre più chiara cogliendo l'inafferrabile.....

IL SOGGETTO DI OGNI OPERA E' LA VITA STESSA

2009-07-11T00:27:00.000-07:00

I CODICI DELLA SCULTURA

2009-07-09T08:16:00.000-07:00

PROGETTI PER SCUTURE IN MARMO REALIZZATI NEL CENTRO D' ARTE "PIGMENTO" DA VINCENZO CORCELLI.

Nella nostra esperienza quotidiana percepiamo il volume come una massa piena, dai contorni convessi, che occupa uno spazio vuoto e concavo. Se osserviamo i progetti virtuali di queste figure possiamo verificare invece che la massa è caratterizzata dal continuo avvicendarsi di volumi tondeggianti e concavi, che sembrano essere risucchiati dall'interno. L'effetto volumetrico globale, quindi, può essere creato anche dal rapporto dinamico tra il voume dei pieni e quello dei vuoti. Possiamo trovare una scultura compatta, chiusa alla relazione con lo spazio esterno, quasi come una torre inespugnabile, o una scultura che è quasi totalmente uno spazio vuoto. Un volume d'aria delimitato da spazi concavi. Quindi saper vedere un'opera scultorea significa, prima di tutto, essere in grado di cogliere, nelle forme tridimensionali, le relazioni tra i pieni e i vuoti, tra le masse concave e quelle convesse.

SCULTURA E RILIEVO

2009-07-09T08:02:00.001-07:00

STUDI DI BASSORILIEVI REALIZZATI DA VINCENZO CORCELLI.

Nel rilievo l'aspetto volumetrico delle forme è dato anche dal gioco delle ombre,che agiscono da indici di profondità. Nell' altorilievo, il rapporto tra volumi sporgenti e spazi rientranti è sempre piuttosto contrastato; nel bassorilievo, l'effetto della profondità è creato da variazioni di spessore minimo, a volte quasi impercettibili. Realizzando questi studi ho perseguiti i codici propri della scultura, ma anche le regole del linguaggio grafico-pittorico.

TUTTOTONDO E RILIEVO

2009-07-09T07:44:00.000-07:00

STUDI DI BASSORILIEVI REALIZZATI NEL 1997 DA VINCENZO CORCELLI

Una scultura, pur essendo sempre un oggetto tridimensionale, può rappresentare il volume in modo differente: a tuttotondo, come possiamo percepirlo nello spazio reale e a rilievo, cioè secondo una tecnica mediante la quale le figure sono rappresentate più o meno sporgenti rispetto a un fondo.

IL LINGUAGGIO DELLA SCULTURA

2009-07-09T06:27:00.000-07:00

STUDI DI FIGURE SCULTOREE REALIZZATE NEL 1996 da VINCENZO CORCELLI.

In qualsiasi immagine l'effetto della profondità dello spazio e del volume dei corpi è reso sempre in modo illusionistico e convenzionale. Anche il quadro
più realistico infatti non può mai superare i limiti della propria superfice bidimensionale. La scultura e l'architettura invece si sviluppano nello spazio tridimensionale e, perciò, le informazioni relative alla terza dimensione corrispondono sempre alla percezione diretta dei volumi e della profondità. Inoltre, mentre nell'immagine bidimensionale la realtà è sempre rappresentata da un'unico punto di vista, quello scelto dall'autore, nell'opera tridimensionale, esiste sempre la possibilità da parte del fruitore di scegliere punti di vista differenti. E' questo il motivo che spinge l'osservatore ad abbandonare la posizione frontale per muoversi intorno a una scultura e, nel caso di una architettura, per entrare al suo interno. Se guardare una statua significa comprendere le modalità con cui le forme, i volumi e i materiali entrano in relazione fra loro e lo spazio circostante; conoscere la struttura di un'architettonica di un edificio significa mettere in relazione il volume esterno con lo spazio racchiuso al suo interno. Nella scultura l'osservatore guarda dal di fuori le tre dimensioni, nell'architettura le sperimenta anche dall'interno, in un percorso caratterizzato dal continuo variare di punti di vista e, quindi , dell'effetto spaziale complessivo.

L'esperienza del tratto grafico.

2009-06-12T10:00:00.001-07:00

QUADRI DECORATIVI CON RIFERIMENTI NEOCLASSICI DELLE DIMENSIONI DI 100cm x 100cm REALIZZATI DA VINCENZO CORCELLI NELLO STUDIO D' ARTE E RESTAURO "PIGMENTO".

Qualsiasi forma di rappresentazione grafica si realizza attraverso l'uso di un buon supporto ed un valido strumento che fanno da tramite tra la volontà di chi vuole comunicare e la realizzazione concreta di questo suo desiderio (l'immagine). Questi pannelli decorativi realizzati con le crete secche che riproducono particolari dei volti di alcune statue del neoclassicismo mettono in evidenza come la scelta dello strumento e del supporto possano determinare il carattere e il valore espressivo del tratto grafico. La natura del tratto è sempre determinata da vari elementi, come il movimento, la pressione della mano, la scelta dei soggetti, il colore e le luci; ma può essere condizionata anche da intenzioni di ricerca e sperimentazione e dallo stato d'animo dell'artista.

Lo stato di conservazione delle opere d'arte.

2009-06-12T08:43:00.000-07:00

FOTO PRIMA E DOPO IL RESTAURO DELLA STATUA DEL CRISTO RISORTO DELLA CHIESA MATRICE DI CORATO (BA). L'OPERA DOPO AVER SUBITO UN ATTO VANDALICO E' STATA RESTAURATA NEL CENTRO D' ARTE E RESTAURO "PIGMENTO".

L'oggetto artistico si modifica nel tempo a causa di fattori diversi, tutti riconducibili, il più delle volte, direttamente o indirettamente, a responsabilità umane. Le foto della statua in Cartapesta qui riportate, restaurata nel centro d'arte e restauro "PIGMENTO", ci propongono in modo drammatico il problema della deteriorabilità dell'opera d'arte. La scultura del Cristo Risorto della Chiesa Matrice di Corato (BA) sembra simboleggiare il preoccupante problema non dell'inquinamento atmosferico, che di solito rovina un'opera, ma l'incuria ed una scarsa politica di prevenzione, un pubblico maleducato che troppo spesso tocca le opere d'arte per aggredirle. In questo caso alla statua erano stati estirpati occhi e braccia per costruirne una nuova. Fortunatamente fermato questo atto vandalico si è potuto recuperare tutte le parti per riportare la statua al suo antico splendore applicando tutti i mezzi più all'avanguardia e con materiali reversibili nel rispetto dell'opera . Prima di ogni restauro bisogna studiare le caratteristiche chimiche e fisiche dei materiali usati nell'epoca in cui l'opera fu realizzata. Attualmente il restauro si avvale di strumenti molto sofisticati che permettono di indagare a fondo non solo sui materiali dell'opera, ma anche i processi che l'hanno trasformata in un atto creativo.

IL RESTAURO

2009-06-11T11:48:00.000-07:00

Fasi d'opera di alcuni restauri effettuati nel Centro di Arte e Restauro "PIGMENTO" con sede a Corato (BARI)in Via Bacone n 17°. Tel 340 5865214

"Il restauratore compie il lavoro più ingrato che si possa immaginare. Nel migliore dei casi nessuno lo vede nè sa nulla di lui. Quando raggiunge buoni risultati, finisce nella discutibile categoria dei falsari, se compie degli errori in quella esecrabile degli attentatori dell'arte. La sua maestria resta inestimabile, le sue ineguatezze fin troppo ovvie. Il giudizio sull' opera dei restauratori è ancora meno affidabile di quello sull' opera d'arte - e questo dice tutto."

IL PERCORSO DELL' ARTE

2009-06-11T11:26:00.001-07:00

RIPRODUZIONI REALIZZATE NELLO STUDIO D'ARTE "PIGMENTO".

La sequenza di queste Madonne riprodotte attraverso le varie scelte stilistiche rivela non soltanto come si è modificata nel corso del tempo la capacità di creare e interpretare immagini, ma anche come è variato, nei diversi periodi storici, il sentimento religioso e l'idea di bellezza. Possiamo dire che nessuna opera d'arte può considerarsi completamente conclusa, perchè il percorso dell'arte non è un progressivo sviluppo di stili che si sovrappongono e si esauriscono, ma è un processo complesso, creato dalle continue integrazioni tra vecchio e nuovo, tra passato e presente, secondo modalità spesso discontinue che non è facile prevedere, nè classificare.

REALTA' COME ARTE

2009-06-11T07:16:00.001-07:00

VINCENZO CORCELLI ( PIGMENTO )
OPERE PERSONALI SENZA TITOLO - OLIO SU TELA.

Detesto l'idea che l'arte contemporanea sia una fuga dalla vita. Un' opera che non mira a riprodurre l'apparenza della natura non è per questo una fuga dalla vita, può essere una penetrazione nella realtà, un' espressione del significato della vita, uno stimolo a sforzarsi di più.

L' interpretazione del simbolo.

2009-06-11T06:50:00.000-07:00

VINCENZO CORCELLI( "PIGMENTO")
RIPRODUZIONI DI INSEGNE ARALDICHE.
OLIO SU PANNELLI DI LEGNO MASSELLO. 120 cm x 90cm.

Se si vuol conoscere il significato di una parola si consulta il vocabolario, pur sapendo che non si troverà una sola risposta ma che sarà necessario scegliere tra una gamma di significati possibili quello che fa a caso nostro.

Con lo stesso principio sono stati elaborati in epoche diverse dei vocaboli dei simboli che venivano esaminati quando ci si trovava di fronte ad un'opera d'arte di difficile interpretazione. Ad esempio in queste riproduzioni araldiche si può vedere un concetto rappresentato con l'immagine di una donna a cui vengono aggiunti degli attributi secondo una tipologia di gesti, abbigliamento, oggetti. Si interpreta l'opera classificandola in base ai simboli.

Vince il testo, la scritta o l'immagine?......Il testo è già immagine.

2009-06-11T04:16:00.000-07:00

VINCENZO CORCELLI

SENZA TITOLO

PITTURA ,SPRAY e SCULTURA SU LEGNO

120 cmx100cm.

L'arte è fatta di un segno accompagnata da altri segni.....passato e presente si sovappongono per una forma d'arte casuale e continua.

A volte l'opera d'arte nasce perchè la fantasia si aggiune all'artigianato.

2009-06-10T15:59:00.000-07:00

Ho iniziato a dipingere a 14 anni dedicandomi dapprima alle riproduzioni.

Questi sono, infatti, alcuni lavori dipinti tra il 1994 ed il 1998, riprodotti fedelmente nelle dimensioni reali ed utilizzando gli stessi materiali dell'epoca. Tutto ciò mi ha permesso di studiare in concreto i maestri del passato.

Il rapporto tra luce e colore è stato il centro della ricerca di ogni pittore. I colori che si utilizzavano per dipingere erano ottenuti dalla lavorazione di polveri finissime dette "PIGMENTO" e ricavate da sostanze naturali o artificiali. Ciò che muta è il legante, cioè il materiale con cui il pigmento è mescolato. Esistono però modi diversi di dipingere che non dipendono solo dalla conoscenza del materiale o dalle scelte tecniche (olio, acquerello ,tempera) ma anche dalle condizioni culturali, linguistiche e stilistiche che caratterizzavano le varie epoche e i vari paesi.

A volte ciò che mi affascina non è la pittura o la scultura ma....l'essere umano.

2009-06-10T15:25:00.000-07:00

VINCENZO CORCELLI.PORTRAIT Carboncino su carta 50 cm x 70cm

Inizio col tracciare dei segni per sperimentare direttamente su carta i vari strumenti e le differenti tecniche.

Mi sforzo di sperimentare il maggior numero di segni grafici variando ogni volta strumento, pressione e movimento della mano e del polso. Così facendo cerco dei tratti a caso fino a cogliere l'espressione di un personaggio, la sua vera identità.

A volte non dipingo ciò che vedo ma ciò che penso.

2009-06-10T10:24:00.000-07:00

DIPINTI A OLIO SU TELA SENZA TITOLO DI VINCENZO CORCELLI.
Le cose custodite nella memoria non si possono tirar fuori, descrivere davvero. A volte se ne può ricavare appena un riflesso , una piccola ombra come quella proiettata sulla tela. Vi racconterei di ciò che i miei occhi portati altrove e sottratti alla ragione hanno visto attentamente.

Spiegare qui non avrebbe senso ma un senso se c'è ........sta unicamente nel guardare.

L'artista diventa sponsor del suo pensiero.

2009-06-10T10:01:00.000-07:00

SENTIMENTI PERSONALIZZABILI.OPERA DI VINCENZO CORCELLI

Olio su tela impacchettato 120cm x 100cm

Riflettendo su un modello di società mediatica e consumatrice, caratterizzata dal lucido antagonismo tra sostanza e apparenza, l’autore costruisce sulla tela il suo personale concetto di uomo moderno, paragonato ad un semplice prodotto di consumo.
Nell’era del marketing -dove la confezione conta almeno quanto la merce-, anche l’uomo finisce per essere accuratamente impacchettato con un prezzo, una scadenza determinata (entro la quale deve essere preferibilmente consumato), e venduto insieme ad un simpatico omaggio.
Come nei supermercati, spesso, si decide di acquistare un prodotto più per il regalo che esso offre che per le sue effettive qualità, così nella vita quotidiana siamo abituati a qualificare l’individuo in base a come ci appare, lasciandoci conquistare esclusivamente dalla sua bella immagine. La sveglietta che forma un unicum con il resto della tela rappresenta, allora, l’elemento ingannevole, l’apparenza, regina di un diffuso modus vivendi basato sulla superficialità.
L’autore sembra suggerire una figura d’uomo come prodotto tra i prodotti, sempre esposto in quella vetrina dalla quale è possibile scorgere ed apprezzare, con le ovvie differenze, le sue caratteristiche fisiche. È la corsa all’apparenza nella quale l’esteriorità diventa unico fattore discriminante tra una moltitudine di individui e che fa dell’uomo oggetto che genera business. La sua unicità, la sua concreta identità viene subordinata alle necessità di consumo dei singoli. I suoi sentimenti diventano personalizzabili.
Per questo i colori sulla tela sono prevalentemente freddi, spenti, tipici di un corpo che smarrisce, giorno dopo giorno, la sua naturale vitalità. Su uno sfondo di colori senza pulsioni, però, risalta il tenue azzurro del volto. Un fiducioso invito ad avvicinarsi all’essenziale e alle esigenze del mondo che tanto ci spaventano e che preferiamo allontanare. Un’esortazione a mettere in gioco la nostra sensibilità, a fare del tempo che fugge un alleato, apprezzando la bellezza di tutte le cose che ci circondano. Così da ridar vita a quell’uomo- prodotto già scaduto-, trasformando il suo sguardo corrucciato in un rasserenante e contagioso sorriso.